2024. Paulo Nimer Pjota
Na boca do sol
Curadoria da exposição individual do artista na galeria Mendes Wood DM, em Nova York
PRESS (Artforum, review by Darren Jones)
PRESS (Ocula)
PRESS (Mutual Art)
PRESS (Arte que Acontece)
Curadoria da exposição individual do artista na galeria Mendes Wood DM, em Nova York
PRESS (Artforum, review by Darren Jones)
PRESS (Ocula)
PRESS (Mutual Art)
PRESS (Arte que Acontece)
27.01-02.03.2024
Mendes Wood DM, Nova York
Mendes Wood DM presents Na Boca do Sol, Paulo Nimer Pjota’s first solo show in New York. Resuming the act of sampling and remixing akin to hip-hop, the exhibition’s title refers to an eponymous 1972 Arthur Verocai song, fragments from which have frequently been sampled in iconic pieces of international and Brazilian rap music. Its lyrics offer a biographical account of the nostalgia of being born and raised in a provincial town and are enriched by a sunlit force that lends itself to sublime fabulation.
“A vacant, silent train track in the warmth of a setting sun. That’s an image my grandfather always described to me and that I instantly remember when I hear that song,” says Pjota. The group of works in this show are, accordingly, autobiographical returns: The artist returns to scenes from home, family, familiar memorabilia, and his initial artistic practice close to the free act of drawing − all intertwined by the memories of his hometown, São José do Rio Preto, in the state of São Paulo. Literary scholars would identify this as nostos: A narrative archetype in ancient Greek literature that depicts the epic hero returning home, dreaming about domestic scenes, and mentally writing letters never to be sent. Following Joseph Campbell’s reading of the monomyth, central to Pjota’s practice and investigation, the hero returns after diving into the unknown abyss, facing moments of revelations and atonement, ready to start all over again in a cyclical flux. In Na Boca do Sol, the artist exhibits his most mature work, though still restless and insomniac, with enough strength to address answers found in his trajectory, exploring what remains embedded in memory but at the margins of official history.
Pjota’s main questions revolve around the inefficiency of hierarchical knowledges that segregate elite and popular cultural expressions throughout history. The artist adopts an oblique gaze that connects different temporalities, equating artistic manifestations of counterculture movements − such as stickers, tattoos, and kindergarten drawings − with pre-Columbian and Greek vases, highly respected by academia and untouchable by museum standards. His work recalls that many of the songs perceived today as historical chants originated in informal gatherings (as in Jardim de faunos, 2023); and that the division between contemplation, function, and devotion did not exist in the production of objects considered today as archaeological; and that the discriminatory devices imposed by colonialism remain active in a vicious cycle separating these cultural radiating nuclei into an aseptic artificiality. To remix history is to rebel against the hegemonic and violent cultural system, defending an inevitable contamination of time, history, and image by the confrontation between symbols, spiritualities, and cultural expressions.
In the displayed works, Pjota embarks on dreamlike and hallucinatory compositions that trigger mythological atmospheres. Unlike his older works, where his main concerns were focused on the history of the myth in Western culture, he now amalgamates the proper myth’s dynamics into freer arrangements. The resemblance to urban walls with written notes and scribbles of his former works gives room to grainy fogs that suggest the background of ritualistic landscapes, such as solstices and twilights. Instead of tracking and trying to identify what the painting symbols represent − such as the geographic and cultural origin of each artifact or direct references to art history − Pjota focuses on a fuller experience of visuality, leaving the viewer with residual memory instead of an archaeological index. The nocturnal paintings (such as Noite com frutas, Noite com Julia, e Noite e Dionísio, all 2023) underscore Mayan beliefs in which the real world was accessed only by dreaming, in friction with modern psychoanalysis. Like a mixtape, Pjota’s iconographic program is composed of historical symptoms that refuse to be abandoned in the past, always resurfacing in the present.
Wide planes of thin coats of tempera in the background of the paintings emphasize the artist’s broad gestures and create breathing spaces close to ukiyo-e, a Japanese art tradition from the Tokugawa period whose name stands for “pictures of the floating world.” These placid areas are balanced with fierce fields of rich details, in which vibrations, vital eruptions, and energetic recordings sprinkle the gaze. The crispy and contrasted flowers with flaming petals put into the archaeological vases, by their thickness of oil paint, tend to a three-dimensionality parallel to the bronze sculptures, where poppies are embedded in dysmorphic bases with calligraphic impulses. With homages ranging from Cy Twombly’s Thermopylae (Gaeta), 1991 to ex-voto objects from Brazilian religious syncretism, it is the first time that Pjota presents sculptures autonomous to the paintings. The presence of plants of power − forms of life that can teach, guide, and heal physically, mentally, or spiritually – reveals his interest in how ethnological and religious phenomena can infiltrate the symbolic and discursive spheres of visual culture.
In the works of the exhibition, the operation of ancient culture puts two magnetic poles in front of each other: Attention to 17th-century Dutch and Flemish still lifes and the scenography of Greek tragedies. By combining these two erudite (artistic) systems, both deeply studied by the artist, Pjota holds a vast liberty to experiment with pictorial arrangements, and the juxtapositions of elements toward a complex construction of language are the same as the compositional dynamics of hip-hop. These feast scenes − called Cenas de casa (Home Scenes) − culminate five years of investigating domestic episodes in art history and his own life, as setting celebrations to the hero’s return home. Thus, functional displacements wittingly happen: Mythical beasts turn into Matissian tables and ancient ceramic vases escape their usual contemporary isolation, filled with lavish bouquets as an act of disobedience. In this way, Pjota proposes a fragmented understanding of history, perhaps the only one possible.
Getting too close or too far from the works is like standing in front of the sun − and being swallowed by it. Sore images rise as staring at a ball of fire that reaffirms human smallness. Sinuous bodies move like everlasting flames. Dewdrops that fall from the stems of flowers foreshadow a fiery rain. In Na Boca do Sol, Pjota reminds us that the sun that bathes pearly marble, granting the grace of ruins, is the same flaring star that makes sunflower heads swirl like demons.
/
Mendes Wood DM apresenta Na Boca do Sol, primeira exposição individual de Paulo Nimer Pjota em Nova York. Retomando as operações de sample e remix utilizadas no hip hop, o título da exposição é uma citação à música homônima de Arthur Verocai de 1972, cujos fragmentos frequentemente aparecem em referências canônicas no rap internacional e brasileiro. Sua letra é um relato biográfico acerca da nostalgia de ter nascido e crescido em uma cidade do interior, além de ser iluminado por uma força solar que proporciona um sublime estado de fabulação.
“Uma ferrovia vazia e silenciosa com um pôr do sol quente. Essa é a imagem que meu avô sempre me descreveu e de que instantaneamente me lembro quando escuto essa música”, conta Pjota. As obras apresentadas nesta exposição são, portanto, retornos autobiográficos: o artista volta às cenas de casa, à memorabilia familiar e à sua produção artística inicial próxima ao ato livre do desenho — tudo isso transpassado por memórias de sua cidade-natal, São José do Rio Preto, no interior de São Paulo. Especialistas literários identificariam essa situação como nostos: um arquétipo narrativo da literatura grega antiga que retrata o herói épico retornando à casa, sonhando com cenas domésticas, escrevendo mentalmente cartas nunca remetidas. A seguir a leitura de Joseph Campbell sobre o monomito, conceito central na prática e na pesquisa de Pjota, o herói volta depois de mergulhar no abismo desconhecido e de enfrentar momentos de revelação e reparação, pronto para reviver tudo em um fluxo cíclico. Em Na Boca do Sol, o artista apresenta seus mais maduros trabalhos, embora ainda inquietos e insones, possuindo suficiente força para endereçar respostas encontradas em sua trajetória, explorando o que permanece fincado na memória, mas resta marginal à história oficial.
Os principais questionamentos de Pjota orbitam em torno da ineficiência de instâncias hierárquicas de conhecimento que segregam entre elitizadas e populares as expressões culturais através da história. O artista parte de um olhar oblíquo a conectar diferentes temporalidades, equalizando manifestações artísticas de movimentos de contracultura — como adesivos, tatuagens e desenhos de jardim de infância — com vasos gregos e pré-colombianos, altamente reverenciados pela academia e intocáveis a partir de diretrizes museológicas. Seus argumentos recordam que muitas das canções lidas hoje como históricas aconteceram em eventos corriqueiros (como em Jardim de faunos, 2023); que a divisão entre contemplação, função e devoção não existia quando da produção dos objetos hoje considerados como arqueológicos; e que os dispositivos preconceituosos impostos pelo colonialismo permanecem ativos em um ciclo vicioso, separando esses núcleos culturais irradiadores em uma artificialidade asséptica. Remixar a história é se rebelar contra um sistema cultural hegemônico e violento, defendendo uma inevitável contaminação do tempo, da história e da imagem pelo confronto entre símbolos, espiritualidades e expressões culturais.
Pjota envereda, aqui, por composições oníricas e alucinatórias que desencadeiam atmosferas mitológicas. Diferentemente de seus trabalhos antigos, onde seus embates críticos se debruçavam sobre a história do mito nas culturas ocidentais, agora o artista amalgama as dinâmicas do próprio mito em arranjos mais livres. A semelhança com muros urbanos com escritos e rabiscos em sua produção anterior dá espaço a névoas granuladas que sugerem fundos de paisagens ritualísticas, como solstícios e crepúsculos. Ao invés de rastrear e tentar identificar o que os símbolos pintados representam — como as origens geográficas e culturais de cada artefato ou referências diretas à história da arte —, Pjota concentra-se em uma experiência visual mais ampla, legando ao observador uma memória residual ao invés de um índice arqueológico. As pinturas noturnas (como Noite com frutas, Noite com Julia e Noite e Dionísio, todas de 2023) reiteram crenças maias em que o mundo real se faz acessível somente através dos sonhos, em fricção com a psicanálise moderna. Como uma mixtape, o programa iconográfico de Pjota é composto por esses sintomas históricos que recusam a serem abandonados no passado, sempre ressurgindo no presente.
Amplos planos de finas camadas de têmpera no fundo das pinturas enfatizam os largos gestos do artista e criam espaços de respiro próximos à tradição ukiyo-e, matriz artística japonesa do período Tokugawa cujo nome significa “imagens do mundo flutuante”. Essas áreas plácidas são equilibradas com pungentes campos de agudos detalhes onde vibrações, erupções vitais e registros energéticos chuviscam o olhar. As flores nítidas e contrastantes com pétalas flamejantes colocadas em vasos arqueológicos, pelo volume espesso de tinta a óleo, tendem a uma tridimensionalidade próxima às esculturas de bronze, onde papoulas são cravadas em bases disformes com impulsos caligráficos. Com homenagens que vão de Thermopylae (Gaeta), 1991, de Cy Twombly, a ex-votos que atestam o sincretismo religioso brasileiro, essa é a primeira ocasião em que Pjota apresenta um conjunto de esculturas autônomas em relação às pinturas. A presença de plantas de poder — formas de vida que podem ensinar, guiar e curar física, mental ou espiritualmente — ilustram o seu interesse pelo modo com que fenômenos etnológicos e religiosos podem infiltrar os âmbitos simbólicos e discursivos da cultura visual.
Nas obras da exposição, a operação da cultura antiga mantém-se determinando dois pólos que se hibridizam: a atenção à pintura flamenca de naturezas-mortas do século 17 e a rigorosa análise cenográfica de tragédias gregas. Ao combinar esses dois sistemas artísticos, ambos profundamente estudados por Pjota, o artista demonstra uma vasta liberdade de experimentação quanto aos arranjos pictóricos, reiterando que as justaposições de elementos em direção a uma complexa construção de linguagem são as mesmas que as dinâmicas de composição do hip hop. Essas cenas de banquetes — chamadas Cenas de casa — culminam cinco anos da produção de Pjota pesquisando episódios domésticos na história da arte e na sua própria vida, compondo celebrações do retorno do herói à casa. Assim, deslocamentos funcionais acontecem propositalmente: bestas míticas se transformam em mesas matissianas e vasos cerâmicos antigos se esquivam de seu isolamento contemporâneo, contendo volumosos buquês de flores como atos de desobediência. Desse modo, Pjota propõe uma compreensão fragmentada da história, talvez a única possível.
Ficar muito próximo ou muito distante dos trabalhos é como colocar-se de pé diante do sol — e ser abocanhado por ele. Imagens inflamadas surgem ao olhar uma bola de fogo que reafirma a pequenez humana. Corpos sinuosos movem como chamas perpétuas. Gotas de orvalho que caem dos estames de flores prenunciam uma chuva de fogo. Em Na Boca do Sol, Pjota nos relembra de que o sol que banha os perolados mármores que garantem a graça das ruínas é a mesma estrela incendiada que faz com que girassóis girem como a cabeça de demônios.
Texto originalmente publicado na exposição “Na Boca do Sol” na galeria Mendes Wood DM, em Nova York, de 27 de janeiro a 2 de março de 2024
Mendes Wood DM, Nova York
Mendes Wood DM presents Na Boca do Sol, Paulo Nimer Pjota’s first solo show in New York. Resuming the act of sampling and remixing akin to hip-hop, the exhibition’s title refers to an eponymous 1972 Arthur Verocai song, fragments from which have frequently been sampled in iconic pieces of international and Brazilian rap music. Its lyrics offer a biographical account of the nostalgia of being born and raised in a provincial town and are enriched by a sunlit force that lends itself to sublime fabulation.
“A vacant, silent train track in the warmth of a setting sun. That’s an image my grandfather always described to me and that I instantly remember when I hear that song,” says Pjota. The group of works in this show are, accordingly, autobiographical returns: The artist returns to scenes from home, family, familiar memorabilia, and his initial artistic practice close to the free act of drawing − all intertwined by the memories of his hometown, São José do Rio Preto, in the state of São Paulo. Literary scholars would identify this as nostos: A narrative archetype in ancient Greek literature that depicts the epic hero returning home, dreaming about domestic scenes, and mentally writing letters never to be sent. Following Joseph Campbell’s reading of the monomyth, central to Pjota’s practice and investigation, the hero returns after diving into the unknown abyss, facing moments of revelations and atonement, ready to start all over again in a cyclical flux. In Na Boca do Sol, the artist exhibits his most mature work, though still restless and insomniac, with enough strength to address answers found in his trajectory, exploring what remains embedded in memory but at the margins of official history.
Pjota’s main questions revolve around the inefficiency of hierarchical knowledges that segregate elite and popular cultural expressions throughout history. The artist adopts an oblique gaze that connects different temporalities, equating artistic manifestations of counterculture movements − such as stickers, tattoos, and kindergarten drawings − with pre-Columbian and Greek vases, highly respected by academia and untouchable by museum standards. His work recalls that many of the songs perceived today as historical chants originated in informal gatherings (as in Jardim de faunos, 2023); and that the division between contemplation, function, and devotion did not exist in the production of objects considered today as archaeological; and that the discriminatory devices imposed by colonialism remain active in a vicious cycle separating these cultural radiating nuclei into an aseptic artificiality. To remix history is to rebel against the hegemonic and violent cultural system, defending an inevitable contamination of time, history, and image by the confrontation between symbols, spiritualities, and cultural expressions.
In the displayed works, Pjota embarks on dreamlike and hallucinatory compositions that trigger mythological atmospheres. Unlike his older works, where his main concerns were focused on the history of the myth in Western culture, he now amalgamates the proper myth’s dynamics into freer arrangements. The resemblance to urban walls with written notes and scribbles of his former works gives room to grainy fogs that suggest the background of ritualistic landscapes, such as solstices and twilights. Instead of tracking and trying to identify what the painting symbols represent − such as the geographic and cultural origin of each artifact or direct references to art history − Pjota focuses on a fuller experience of visuality, leaving the viewer with residual memory instead of an archaeological index. The nocturnal paintings (such as Noite com frutas, Noite com Julia, e Noite e Dionísio, all 2023) underscore Mayan beliefs in which the real world was accessed only by dreaming, in friction with modern psychoanalysis. Like a mixtape, Pjota’s iconographic program is composed of historical symptoms that refuse to be abandoned in the past, always resurfacing in the present.
Wide planes of thin coats of tempera in the background of the paintings emphasize the artist’s broad gestures and create breathing spaces close to ukiyo-e, a Japanese art tradition from the Tokugawa period whose name stands for “pictures of the floating world.” These placid areas are balanced with fierce fields of rich details, in which vibrations, vital eruptions, and energetic recordings sprinkle the gaze. The crispy and contrasted flowers with flaming petals put into the archaeological vases, by their thickness of oil paint, tend to a three-dimensionality parallel to the bronze sculptures, where poppies are embedded in dysmorphic bases with calligraphic impulses. With homages ranging from Cy Twombly’s Thermopylae (Gaeta), 1991 to ex-voto objects from Brazilian religious syncretism, it is the first time that Pjota presents sculptures autonomous to the paintings. The presence of plants of power − forms of life that can teach, guide, and heal physically, mentally, or spiritually – reveals his interest in how ethnological and religious phenomena can infiltrate the symbolic and discursive spheres of visual culture.
In the works of the exhibition, the operation of ancient culture puts two magnetic poles in front of each other: Attention to 17th-century Dutch and Flemish still lifes and the scenography of Greek tragedies. By combining these two erudite (artistic) systems, both deeply studied by the artist, Pjota holds a vast liberty to experiment with pictorial arrangements, and the juxtapositions of elements toward a complex construction of language are the same as the compositional dynamics of hip-hop. These feast scenes − called Cenas de casa (Home Scenes) − culminate five years of investigating domestic episodes in art history and his own life, as setting celebrations to the hero’s return home. Thus, functional displacements wittingly happen: Mythical beasts turn into Matissian tables and ancient ceramic vases escape their usual contemporary isolation, filled with lavish bouquets as an act of disobedience. In this way, Pjota proposes a fragmented understanding of history, perhaps the only one possible.
Getting too close or too far from the works is like standing in front of the sun − and being swallowed by it. Sore images rise as staring at a ball of fire that reaffirms human smallness. Sinuous bodies move like everlasting flames. Dewdrops that fall from the stems of flowers foreshadow a fiery rain. In Na Boca do Sol, Pjota reminds us that the sun that bathes pearly marble, granting the grace of ruins, is the same flaring star that makes sunflower heads swirl like demons.
/
Mendes Wood DM apresenta Na Boca do Sol, primeira exposição individual de Paulo Nimer Pjota em Nova York. Retomando as operações de sample e remix utilizadas no hip hop, o título da exposição é uma citação à música homônima de Arthur Verocai de 1972, cujos fragmentos frequentemente aparecem em referências canônicas no rap internacional e brasileiro. Sua letra é um relato biográfico acerca da nostalgia de ter nascido e crescido em uma cidade do interior, além de ser iluminado por uma força solar que proporciona um sublime estado de fabulação.
“Uma ferrovia vazia e silenciosa com um pôr do sol quente. Essa é a imagem que meu avô sempre me descreveu e de que instantaneamente me lembro quando escuto essa música”, conta Pjota. As obras apresentadas nesta exposição são, portanto, retornos autobiográficos: o artista volta às cenas de casa, à memorabilia familiar e à sua produção artística inicial próxima ao ato livre do desenho — tudo isso transpassado por memórias de sua cidade-natal, São José do Rio Preto, no interior de São Paulo. Especialistas literários identificariam essa situação como nostos: um arquétipo narrativo da literatura grega antiga que retrata o herói épico retornando à casa, sonhando com cenas domésticas, escrevendo mentalmente cartas nunca remetidas. A seguir a leitura de Joseph Campbell sobre o monomito, conceito central na prática e na pesquisa de Pjota, o herói volta depois de mergulhar no abismo desconhecido e de enfrentar momentos de revelação e reparação, pronto para reviver tudo em um fluxo cíclico. Em Na Boca do Sol, o artista apresenta seus mais maduros trabalhos, embora ainda inquietos e insones, possuindo suficiente força para endereçar respostas encontradas em sua trajetória, explorando o que permanece fincado na memória, mas resta marginal à história oficial.
Os principais questionamentos de Pjota orbitam em torno da ineficiência de instâncias hierárquicas de conhecimento que segregam entre elitizadas e populares as expressões culturais através da história. O artista parte de um olhar oblíquo a conectar diferentes temporalidades, equalizando manifestações artísticas de movimentos de contracultura — como adesivos, tatuagens e desenhos de jardim de infância — com vasos gregos e pré-colombianos, altamente reverenciados pela academia e intocáveis a partir de diretrizes museológicas. Seus argumentos recordam que muitas das canções lidas hoje como históricas aconteceram em eventos corriqueiros (como em Jardim de faunos, 2023); que a divisão entre contemplação, função e devoção não existia quando da produção dos objetos hoje considerados como arqueológicos; e que os dispositivos preconceituosos impostos pelo colonialismo permanecem ativos em um ciclo vicioso, separando esses núcleos culturais irradiadores em uma artificialidade asséptica. Remixar a história é se rebelar contra um sistema cultural hegemônico e violento, defendendo uma inevitável contaminação do tempo, da história e da imagem pelo confronto entre símbolos, espiritualidades e expressões culturais.
Pjota envereda, aqui, por composições oníricas e alucinatórias que desencadeiam atmosferas mitológicas. Diferentemente de seus trabalhos antigos, onde seus embates críticos se debruçavam sobre a história do mito nas culturas ocidentais, agora o artista amalgama as dinâmicas do próprio mito em arranjos mais livres. A semelhança com muros urbanos com escritos e rabiscos em sua produção anterior dá espaço a névoas granuladas que sugerem fundos de paisagens ritualísticas, como solstícios e crepúsculos. Ao invés de rastrear e tentar identificar o que os símbolos pintados representam — como as origens geográficas e culturais de cada artefato ou referências diretas à história da arte —, Pjota concentra-se em uma experiência visual mais ampla, legando ao observador uma memória residual ao invés de um índice arqueológico. As pinturas noturnas (como Noite com frutas, Noite com Julia e Noite e Dionísio, todas de 2023) reiteram crenças maias em que o mundo real se faz acessível somente através dos sonhos, em fricção com a psicanálise moderna. Como uma mixtape, o programa iconográfico de Pjota é composto por esses sintomas históricos que recusam a serem abandonados no passado, sempre ressurgindo no presente.
Amplos planos de finas camadas de têmpera no fundo das pinturas enfatizam os largos gestos do artista e criam espaços de respiro próximos à tradição ukiyo-e, matriz artística japonesa do período Tokugawa cujo nome significa “imagens do mundo flutuante”. Essas áreas plácidas são equilibradas com pungentes campos de agudos detalhes onde vibrações, erupções vitais e registros energéticos chuviscam o olhar. As flores nítidas e contrastantes com pétalas flamejantes colocadas em vasos arqueológicos, pelo volume espesso de tinta a óleo, tendem a uma tridimensionalidade próxima às esculturas de bronze, onde papoulas são cravadas em bases disformes com impulsos caligráficos. Com homenagens que vão de Thermopylae (Gaeta), 1991, de Cy Twombly, a ex-votos que atestam o sincretismo religioso brasileiro, essa é a primeira ocasião em que Pjota apresenta um conjunto de esculturas autônomas em relação às pinturas. A presença de plantas de poder — formas de vida que podem ensinar, guiar e curar física, mental ou espiritualmente — ilustram o seu interesse pelo modo com que fenômenos etnológicos e religiosos podem infiltrar os âmbitos simbólicos e discursivos da cultura visual.
Nas obras da exposição, a operação da cultura antiga mantém-se determinando dois pólos que se hibridizam: a atenção à pintura flamenca de naturezas-mortas do século 17 e a rigorosa análise cenográfica de tragédias gregas. Ao combinar esses dois sistemas artísticos, ambos profundamente estudados por Pjota, o artista demonstra uma vasta liberdade de experimentação quanto aos arranjos pictóricos, reiterando que as justaposições de elementos em direção a uma complexa construção de linguagem são as mesmas que as dinâmicas de composição do hip hop. Essas cenas de banquetes — chamadas Cenas de casa — culminam cinco anos da produção de Pjota pesquisando episódios domésticos na história da arte e na sua própria vida, compondo celebrações do retorno do herói à casa. Assim, deslocamentos funcionais acontecem propositalmente: bestas míticas se transformam em mesas matissianas e vasos cerâmicos antigos se esquivam de seu isolamento contemporâneo, contendo volumosos buquês de flores como atos de desobediência. Desse modo, Pjota propõe uma compreensão fragmentada da história, talvez a única possível.
Ficar muito próximo ou muito distante dos trabalhos é como colocar-se de pé diante do sol — e ser abocanhado por ele. Imagens inflamadas surgem ao olhar uma bola de fogo que reafirma a pequenez humana. Corpos sinuosos movem como chamas perpétuas. Gotas de orvalho que caem dos estames de flores prenunciam uma chuva de fogo. Em Na Boca do Sol, Pjota nos relembra de que o sol que banha os perolados mármores que garantem a graça das ruínas é a mesma estrela incendiada que faz com que girassóis girem como a cabeça de demônios.
Texto originalmente publicado na exposição “Na Boca do Sol” na galeria Mendes Wood DM, em Nova York, de 27 de janeiro a 2 de março de 2024